Exercice[2] : recenser deux expositions à partir de la main. Chez Jérôme Poggi, elle trace sur la toile les trajectoires, les détails observés man starts clipping his nails clack, clack, clack, clack / POLIZEI D1324 POLIZEI B1331 / 2 men fall-down drunk / POLIZEI 21125 c’est Berlin. Chez In situ, elle, la main, dépasse du cadre Glittering New York. Ce cadre, qui semble moteur de l’assemblage, est découpé dans une feuille de papier sur laquelle figurent des caractères imprimés, cela ressemble à article de journal, à une page de livre - et agit comme trace d'un contenu validé par une autorité. En résulte qu'une feuille ponctuée de caractères a été retaillée pour faire cadre à une vitre à travers laquelle l’oeil voit, en flou, le hors-champ ou la perspective de l’installation. Dans sa découpe, autour du vide, deux bouts de phrases : “ouffrir. Lui le fils d’émigrés”. Nombre de réflexions traversent l’espace, dans le cadre et dans la glace qui soutient le dispositif, ce qui fait reflet frappe à l’orée de la pensée, avant qu’elle ne se réduise au cliché.

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Longtemps, je me disais : qu’est-ce qui fait la différence entre une galerie et n’importe quel autre commerce, pourquoi serait-ce plus sale ou plus noble de vendre et connaître son produit-œuvre que de vendre et connaître son produit-saucisson, vin, fromage, sac ? Ensuite je me disais bien que je n’étais pas la première à penser. Pour autant, je n’ai rien recherché, rien lu, rien à citer. Je reste à mon expérience, au plaisir d’échanger avec mon caviste. Les galeries avant c’était autrement, je fuyais l’échange, persuadée qu’il me fallait soit être trop critique, carte AICA, revues, pensée, soit rien, être absolument rien qu’en passant. Ce rapport aux galeries n’a changé qu’après mon premier achat d’œuvre. Qu’après avoir considéré qu’il m’était possible aussi d’avoir, par d’autres canaux, achat direct au producteur, des œuvres dans mon salon : maintenant on peut parler. Il faut le dire, qu’après dix ans à circonvoluer autour de ce qui fait art, j’en ai voulu pour moi au point d’en acheter. Que le critique soit collectionneur est aussi vrai et faux, nécessaire et vain pour lui, que d’être praticien. Reste que, quelles que soient ses autres casquettes, le galeriste est marchand. Reste que l’art est un objet de désir qui va aussi au salon.

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Tournons.

L’œuvre de Renaud Auguste-Dormeuil permet cela : tabouret surélevé, miroir, pierre, cadre, image, découpage, transparence, poing noir serré. Autour, il y a une exposition intitulée Lorsque viendra le printemps et qui est bien nommée puisqu’on est en plein hiver et qui comporte des installations sur socle et aussi des images au mur qui sont compositions stellaires et d’autres choses, mais dont ce poing m’arrête. Il n’est pas serré (ce sont mes souvenirs qui le lient à ces lives who matter, really), mais il surgit hors du cadre, en noir, et invite tout à la fois le cinéma, la statue de la liberté, l’étroitesse de notre pensée et le plaisir de chercher à penser le rêve américain. Nous (visiteurs, autres de l’oeuvre) voyons à travers ce qui fait le tour de cette main découpée et nous voyons en dessous notre image reflétée par le bas, par l’angle le plus vilain, et nous sommes obligés de constater que la force de l’ensemble est conjuguée à sa précarité : la carte est cornée, le peut-être journal se décolle, la pierre est bien trop forte pour ne pas briser la vitre et la glace, il doit falloir démonter pour transporter. Autrement, cette installation ne fait aucun sens ‒ surélever un tabouret à l’aide de baguettes de bois clair afin que son assise, l’endroit fait pour poser son derrière, arrive à une hauteur proche du cou, rajouter encore deux planches de bois clair, poser un miroir à l’horizontale, une pierre ocre, un cadre puis deux, relier à l’aide d’un embout de plastique noir type anti-vol, type logistique, type dans les coulisses un peu cheap du monde qui nous habite.